小学音乐器乐教学论文

　 小学音乐器乐教学的论文

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　　小学音乐器乐教学的论文1

　一、音乐唱法的风格的

　音乐艺术中的歌唱方式、技巧是非常关键的。高超的歌唱二度创作需要展现出歌唱人员对自己嗓音灵活自主的使用的水平。节奏以及呼吸、音色全部是考验歌唱发声的主要部分，只有具备上述歌唱技巧之后歌唱人员才可以很好的表演音乐作品。

　　(一)美声唱法的表演风格

　　男中音在美声唱法中的表演中通常非常重视自身感情的充沛，要全面使用声音技巧对歌曲开展二次创作。通常不倡导进行其余的动作，一般利用眼睛以及面部表情的变动，来塑造人物内心世界，传达歌曲情感。伴奏的时候一般使用钢琴以及管弦乐队，增加庄严的气氛。

　　(二)民族唱法的表演风格

　　民族唱法里面的表演风格：通常是体现各个地区以及民族特色，十分淳朴、自然。服饰也极具地域民族特点，庄重、优雅。在表演的时候一般会动员身体各个部分，让其都加入到表演中。在舞台表演的时候淡雅爽朗，和美声唱法的端庄肃穆形成非常显著的对比。

　　(三)通俗唱法的表演风格

　　站在演唱人员的角度分析，其可以全面彰显自身特色，可以随心所欲的进行表演，因为这种表演方式没有固定的模式。比如：爵士舞步、霹雳舞步……可以挑选自己喜欢的擅长的进行表演。凸显演唱人员的特色。给大家营造一种昂扬的气氛。这和美声唱法的表演风格有非常显著的差异。歌唱艺术表现是最重要的 ，其是歌唱者在对音乐作品的再次创作中实现的，演唱者必须包含深情才可以进行完美的表演。在上述二次创造中，歌唱主要技能方式是凸显艺术表现的前提，歌者学习技术技巧的效果和其艺术表现水平有直接关系，另外歌唱艺术表现水平的高低和技能、才华的发挥以及体现有密切关系。所以，全面的歌唱艺术就是歌唱技术和艺术表现全面融合后的成果。所有进行音乐学习和分析的人在需要在自己的实践中坚持上述原则。

　　二、民歌风格在表演中的优势

　　民歌唱法和民歌形成以及发展有密切的关系。其出现在我国民间，形成以及发展的根基就是最广大的群众，民歌唱法源自大众劳作。在以后的发展中得到进一步的加工，最后变成了现在的民族唱法。我国地区宽广，不同民族都有独特的审美要求、文化环境以及生活习俗，所以其创作出的音乐也体现出自己的特点。南方区域的民歌通常非常的委婉、柔和、朴实、美妙，其中我国北方区域的民歌就更加宽旷、清亮、豪迈。上述各种风格以及特点的音乐，形成了各具特色的民歌唱法，充分的展现出国内民族唱法的多样化。民歌唱法，现在被划分成两个种类：自然真声唱法以及真假声结合唱法。前者一般出现并使用在平原区域，全部让真声进行演唱，音域并不宽广，就像我们日常说话的声音。上述唱法非常的自然、朴实、醇厚，其中内容也是我们生活中常见的事情。因为其受到生活事情的熏陶，因此得到了众多艺术院校的认可。

　　三、戏曲风格 在表演中的优势

　　国内戏曲艺术的发展时间很长，有很多民歌都是源自戏曲。戏曲特殊的咬字以及节奏，为民歌发展打下了非常坚实的根基。因为国内各个地区以及民族语言特色、地理氛围、风俗习俗以及音乐特色，让戏曲演变成多种风格的唱腔等。昆山腔可以被分为南昆以及北昆，演唱主要使用真声，是非常缓慢柔和的，体现出朴实凝重的特色。弋阳腔演唱大部分使用真假融合的方式。风格清亮，主要包含川剧、赣剧等剧种。梆子腔大家非常了解，包含河南豫剧等，演唱大部分使用真假声融合方式，风格清亮、欢快、高亢、明亮。另外也有的唱腔非常的连贯、温和、婉转，以真假声融合演唱为重点，包含京剧、闽剧等剧种。上述戏曲重视自己的地方特点，和日常生活紧密联系。同样戏曲唱腔依照自身行当以及行当里面的人物划分成不同的人物角色，比如：老生、小生、老旦、青衣、花旦等。因此戏曲风格的音乐在我国民族音乐表演中占据重要的发展优势。戏曲是国内民族音乐取之不尽的发展源泉，在众多的高校中音乐发展中都把戏剧风格的民族音乐看做重点的培养对象，因此艺术表演可以吸收借鉴戏曲元素，在表演中具有很大的优势，同时不断的促进民族音乐的发展，为国内音乐发展带来新的契机。

　　四、音乐唱法中不同风格表演的有利点

　　总之，风格表演也是音乐演唱中的关键方面。在日常训练中，也要踏实的学习知识，之后在表演使用这些知识，不断提高自身在舞台上的表演水平，在演唱的时候也要不断吸收经验教训，向观众传播作品中的丰富感情，让观众深入的体会到作品的感情。演员需要维持自己的表情，做出相应的手势，让“演”和“唱”统一在一起，让歌唱全面的表达自己的感情，然后提高音乐作品的独特艺术魅力，给观众打造出众多令人感动、非常完美的作品。假如在演唱中表演者以不同的唱法在情感的处理中不正确，则很难表达出歌曲本身的含义与情感的交互，因此音乐演唱中的不同的唱法取决于演唱者对于歌曲自身的把握，并以演唱技巧与表演情感为主。更加可贵的每种不同类型唱法所表现情感处理方法的涉及到的听众的交流情感也是各不相同的。现代音乐中以其“新”的形式与创意在占据当代音乐的主流市场，以青少年为欣赏主体在音乐的形式与内容上迎合现代人的标准，但是现代音乐在发展中逐渐出现“杂”与“乱”的现象，在一定程度上扭曲的音乐的真正意义，变成的商业音乐的商业手段，如何才能使流行音乐在注重情感处理与表现技法上得到创新立意是现代流行音乐的主要解决的问题。

　　五、结语

　　“歌手和艺术家的本质差异就是其能不能把技术完美的融合在艺术表现中，能不能将二者的统一在一起。”在日常生活中，很多演唱人员充分的学习了非常高难度的发声技法，但是其却将歌唱发声技巧训练当做学习的最后目标，提出动听的声音就是歌唱的所有。音乐表演是二次创作，其给予音乐作品一种生命的活力，其不只要尊重原作，还需要在以后的创作中添加自己领悟到的东西，更好的丰富作品的内涵。在二次创造的时候，音乐表演的主要技法 ，也就是歌唱发声的基本功的学习是非常关键的，由于音乐表演属于非常精准、灵动的活动，所以我们一定要具备非常高的歌唱创造水平。

　　小学音乐器乐教学的论文2

　古琴是中国最古老的弹拨乐器，其乐器本身及它所承载的中国传统文化内涵决定了它不能仅仅作为一门乐器的形式存在。自古以来很多人对古琴的认知，更是达到了天人合一的境界，认为古琴艺术代表着人类最高的精神追求，古琴的演奏形式是能最直观感受古琴发展历程的符号之一，也是近几十年一直备受关注的问题。

　　一、古琴演奏场所的变迁

　　追溯早期演奏古琴的场所我们可以从画卷上、或诗词中去了解认识，如宋徽宗的《弹琴图》等。诗词画卷中，抚琴人或是山间、或是溪边、又或是竹林、或是田园，打谱弄琴，怡然自得。虽然场地不拘一格，但也有所考究。从《文会堂琴谱》里记载的相关内容可见一斑，古琴十四不弹“风雷阴雨，日月交蚀，在法司中，在市廛，对夷狄，对俗子，对商贾，对娼妓，酒醉后，夜事后，毁形异服，腋气臊臭，鼓动喧嚷，不盥手漱口”;十四宜弹“遇知音，逢可人，对道士，处高堂，升楼阁，在宫观，坐石上，登山埠，憩空谷，游水湄，居舟中，息林下，值二气清朗，当清风明月。”以上记载了古人对弹琴对象、场所的描述同时，也让很多人一直以来觉得古琴总是跟文人雅士联系密切，是“阳春白雪”，“高山流水”的符号，尽显“逸者趣”，难有“百姓缘”。

　古琴作为文人雅器，就一直被定位成小众乐器，小范围演奏。

　　时代变迁，古琴亦是在寻找自我的发展空间，在建国初期毛主席提出“百花齐放、推陈出新”的指示，让优秀的传统文化走入普通百姓，使之为人民服务。知识分子的自我改造意识是向工农学习，向劳动人民群众学习。古琴进入一个不同于以往任何历史时代规律的发展阶段，在新的历史环境中，呈现出新的精神面貌。广播电台经常播放古琴音乐，工人劳作的工厂、剧场、广场、地方文化馆也是古琴经常演奏的地方，古琴进入普通百姓的生活中，与广大劳动人民融合在一起。

　　“旧时王谢堂前燕”终于“飞入寻常百姓家”，演奏场所有三五知音的小众式聚会，也有在音乐厅或者剧场演奏的大众音乐演奏形式，传统的雅集形式被更多其他形式的演出场合所代替。目前大多数演奏场地也是现在最常用的音乐厅，要不就是传统雅集的方式、家庭聚会或公园里。音乐厅的特点是音响设备专业，使用扩音器可以让古琴面对更多的听众，一张琴一张桌子可以让几百人甚至上千人在一个地方静静地听琴。目前，在音乐厅里演奏古琴已经是很普及的形式。

　　二、琴曲演奏形态的变迁

　　在演奏形式上，古琴自古以来就展现了兼容并包的一面：古琴独奏，琴箫合奏，琴阮合奏等。传承至今，虽然古琴的演奏形式出现最多的还是传统的古琴独奏或者琴箫合奏等方式，但很多琴人也在做古琴与各种艺术形式碰撞的尝试，诸如古琴与钢琴的对话、古琴与口琴二重奏、古琴与打击乐、古琴与吉他等等。

　　创作古琴曲吸引着作曲家和有能力创作的古琴演奏家的视线，如《欢庆》《耕歌》(喻绍泽)《听松》《沉思的旋律》(成公亮)随后《江雪》(朱践耳)《大江东去》(徐景新)《三峡船歌》(李祥霆)《春风》(许国华、龚一)《山水情》(金复载)等一批创作、移植的新琴曲问世，在完善古琴的演奏技法，丰富表现力等方面有了很大的推动作用。创新意识的不断延续到古琴舞台上来，例如成公亮先生与琼英卓玛的《心与灵——梵呗与古琴音乐会》;作曲家钢琴家高平与巫娜、昆曲男旦董飞共同演绎的《高山流水》音乐剧场，钢琴古琴的即兴创作，其中穿插董飞的念白和身段表演，整场演出是以纯音乐、唯美的戏曲相结合展现的;斫琴家王鹏在北京创办的“耕剧场”，也是一个既属于古琴与东方经典文化艺术，又容许它与其他艺术交流对话，相得益彰的专业剧场，这是典型的古琴剧场形式舞台化的案例。

　　当代的琴人、学者一直探索着古琴未来发展的道路，同时两种声音出现，一种声音强调古琴作为瑰宝，应该毫无保留的继承，另一种声音则强调“变”，要发展的看传承。可是不管是哪一派的声音，所经历的古琴演奏形式变革是必然的。

　　三、《时空·对话》音乐会中的实案分析

　　《时空·对话》音乐会是笔者2011年在成都金沙剧场举办的一场剧场式音乐会。其主题就是推陈出新，在传统的前提下运用剧场舞台对古琴进行“变”的尝试。

　　金沙剧场是为音乐剧《金沙》量身打造的剧场，一进门，映入眼帘的是观众席两边用山石装饰的墙壁，其间穿插着郁郁葱葱的树木，演出中观众席的上方显现出巨大的太阳神鸟的标志，在舞台中间因剧情需要制作的水帘在观众和演员之间若隐若现，幕后的巨大LED屏目播放出的画面把我们从现代带回古代，又从古代穿越回了现代。本次音乐会也是充分运用了这个剧场的舞台，运用情景再现的形式，加入茶艺、舞蹈、人声、吉他等其他素材， 运用舞美环境、灯光的特殊效果还原即时场景，向观众在视觉上更加直观传递琴曲寓意，整场音乐会的外景环绕着神秘的宗教色彩，强烈的仪式感使观众进入剧场就能感受到庄严肃穆。

　　介于不同于常规音乐厅的演奏形式，所以不仅要保留传统曲目的寓意，还要使观众从视觉上瞬间体验到还原的琴曲意境，每一首曲目的设计都要场景化，使观众能够身临曲境。古琴的现成曲目古曲居多，所以这种“变”就要回归到曲目年代，现代返回到古代，“穿越”成了主线。东方“穿越”到西方，则是通过与吉他的合作曲目《花开并蒂》来展现的，这是结合了东方传统曲目《茉莉花》和西方名曲《雪绒花》经作曲家改编而成，创作灵感也是源于音乐会的主题“时空·对话”，茉莉花与雪绒花、东方与西方，时间与空间展开多维角度的呼应。

　　本场音乐会开场曲选用了《神人畅》，琴曲运用了大量的泛音来表现人对神灵的祭祀场景，整曲只用了五根琴弦演奏，因此有琴界学者称它应该创作于五弦琴时代，应是目前所存谱系中最古老的一首琴曲。舞蹈演员身着古代祭祀巫师服饰敲击石罄三下代替了以往音乐厅里开场的铃声。此石罄是按照在金沙剧场原址出土的3000年前的石罄一比一仿制而成，加之舞台两旁象牙树立，如祭祀道场般庄严、神圣，使剧场赋予神秘的色彩和浓郁的历史感。《酒狂》这一作品的表现突破以往的弹奏，借用七位舞蹈演员的舞蹈表现手法，或吟诗、或作画、或把酒问天，把竹林七贤的形态展现的淋漓尽致。《阳关三叠》则由以往的琴箫合奏改为琴埙合奏，加之人声的吟唱，作者送别故人的哀伤情绪由凄凉的埙声给予最新的诠释。石罄、太极、茶艺、人声、吉他与古琴的搭配，使整场音乐会给予观众新颖的视觉方式为出发点，传统曲目也是力求在维护原曲风貌的前提下赋予琴曲新的生命。

　　四、结语

　　2003年中国古琴艺术被联合国教科文组织授予了“人类口述和非物质遗产代表作”称号，古琴艺术的突出价值再次得到了世界公认，各种呼吁对古琴传承和保护，器乐改革、琴学研究、文化传承与保护、非遗问题等不断提升了古琴的热点和关注度，古琴舞台化问题也将是未来一直延续讨论的话题，这在推动古琴迅速发展的同时，也意味着古琴演奏变革时代即将到来。